Cómic Sans fomenta el diálogo entre artistas de Brasil y Ecuador. Es una muestra colectiva que fue expuesta en espacios independientes de arte contemporáneo, ocio y comunicación mediática. En cuanto a su discurso, proceso y materialización, los trabajos presentados transitan entre los métodos de proyección, producción, visibilidad y difusión de las artes gráficas y las estrategias del arte contemporáneo; propuestas artísticas que se interesan por la gráfica, el diseño, la pintura -y cómo estos lenguajes tienen un fuerte vinculo con la comunicación y el arte contemporáneo.
Una exposición empieza con sus invitaciones, en COMIC SANS cada una de ellas estaba concebida para ser un tentador regalo: postales y afiches de colección que invitaban al circuito expositivo que se activo en 4 espacios dedicados a la cultura contemporánea: La Naranjilla Mecánica, El Conteiner (galería de El Pobre Diablo), Neural Industrias Creativas y el Centro de Arte Contemporáneo de Quito.
Hipótesis: Es probable que el trabajo de producción y gestión cultural en red disponga una forma de pensar la circulación, producción y consumo del arte actual.
Los espacios independientes a lo largo de la historia de las artes visuales y en el contexto local han desempeñado un rol importante para la visibilidad de artistas contemporáneos. Su papel dentro del campo cultural tiene la capacidad de generar estrategias creativas, redes sociales y culturales que se desarrollan para autogenerar empleos e insertarse en nichos de creatividad y sociabilidad – en mi opinión, las artes visuales en la ciudad de Quito han surgido desde prácticas emergentes que han ocurrido en estos espacios y en distintas épocas (sin olvidar los procesos en el espacio público).
Operaciones culturales que buscan mediar oportunidades de desplazamiento y difusión a través de alianzas entre los distintos espacios dedicados a la cultura visual: de no existir un contacto ni un trabajo en red entre los distintos agentes vinculados al arte contemporáneo, no se podría hablar de un circuito (un conjunto de conductores que recorre una “corriente eléctrica” o pasión por el que hacer cultural.) Sin embargo el trabajo en red es disperso: los espacios independientes al igual que los públicos y privados no están sólidamente configurados para fortalecer la escena local; los financiamientos, los presupuestos, y la difícil manutención de estos lugares son probablemente un factor en contra de las articulaciones entre los distintos espacios.
Una red agrupa una serie de agentes del campo artístico que comparten intereses comunes y que, de algún modo, operan en un mismo ámbito temático (o incluso territorial). Es de la riqueza del intercambio entre estos individuos de donde van a surgir los beneficios para todos y cada uno de los que participen en el proyecto en colaboración. Basta con dominar herramientas tales como el correo electrónico, skype, facebook, twitter para participar correctamente en procesos de cooperación cultural.
El punto de funcionamiento y apoyo de una red es el comportamiento y el proceso … ya que las redes son esencialmente una forma de organizarse y no una organización, per se. Son fluidas, intangibles, azarosas, y esto es lo que realmente crea un excitante e impredecible caos de…actividad”1. Debemos, por lo tanto, hacer un análisis más amplio de las redes posibles entre espacios independientes, privados y públicos; dejando de lado las cuestiones exclusivamente propagandistas en torno al tema.
Las propias instituciones públicas han empezado a ser conscientes de ello e intentan resolver estas carencias creando redes que les ayuden a llegar más lejos o más profundo; como sucedió en COMIC SANS, partiendo de la base de que el Centro de Arte Contemporáneo tiene por naturaleza una constitución híbrida, podemos tratar de que, si bien el entramado institucional y empresarial ha sido necesario para una fase de modernización, hoy en día se requiere la mayor flexibilización y rizomatización que reforesta, por así decir, a la sociedad con la diversidad cultural, análoga a la biodiversidad. (Yudice, 2003). (…) de ahí la necesidad de políticas públicas, que puedan suministrar las mil y una necesidades que emergen en nuestras sociedades más complejas y, al parecer, caotizantes.
El formato de la exposición hace que los artistas respondan con obras que puedan adaptarse a la interactividad que un circuito propone. La reproducción, la interactividad y el recorrido pasan a ser signos no sólo de contemporaneidad de la obra, sino incluso de su cualidad. Laura Andreato Huzak, artista Brasileña presento 6 murales distintos los cuales fueron emplazados en los 4 espacios expositivos parte del circuito COMIC SANS. Con una visualidad pop, hace una fuerte crítica a la representación del turismo industrial. Recordemos que la incidencia de las nuevas gramáticas visuales y condiciones iconográficas de la civilización de la imagen Pop, la subversión del objeto cotidiano (carteles, anuncios y señales de tráfico) y la condición de cotidianeidad palpable de los objetos de diseño han marcado desde la época de los 70s un interés por los asuntos contextuales; la formas de ver el paisaje en relación al turismo es un mal occidental.
La propuesta de Daniel Chonillo y Lorena Peña lleva el nombre de “MEMORIA GRÁFICA”, los artistas producen siluetas de personajes de caricaturas ecuatorianas memorables, y los ponen a circular por distintos espacios, estableciendo una performance de personajes en lugares específicos y activando situaciones que delatan la compleja diversidad del ser urbano. La caricatura en el contexto local siempre ha estado conectada a contenidos políticos y anécdotas que pueden traducirse como una condecoración a la libertad de expresión; la gráfica caricaturesca como elemento de la cultura popular es casi un rasgo de identidad nacional cuando recordamos a dibujantes como Galo Galecio o Guillermo Latorre. La obra se complementa con el vídeo “Actualidad en monos” en la que se observa a caricaturas antiguas recorrer espacios reales en la urbe contemporánea.
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=gYqwBhZtW0w
Rafael Campos Rocha, dibujante brasileño, publicó una de sus tiras cómicas en EL COMERCIO. La experiencia de la comunicación directa y la intensificación de la vivencia de la comunidad sin jerarquías pueden ser posibles en los medios de comunicación – el artista escapa del “mundillo” que sugiere un lugar de privilegio en la cultura occidental, y logra una audiencia real de la obra, que como tal propone otro modo de circulación producción y consumo en busca de esos nuevos lugares de intención del arte contemporáneo, tan necesarios.
Boloh y PowerPaola presentan Fanzines que el público puede llevarse a casa.
El proceso predomina sobre la obra; en consecuencia, el objeto desaparece en el proceso de reproducción. Una obra que se reproduce, de libre circulación, que permita la integración del espectador. El arte impreso, de acceso público, afiches, murales subvierten el sistema objetual, definido y concluido por el artista, un sistema predominante en la cultura occidental y en sus manifestaciones artísticas.
Los murales de Boloh son construidos con formas que se contienen las unas a las otras como resultado de una matriz, que determina por medio de sus trazos y líneas, infinitos que habitan y se reproducen en su interior. El dibujo/mural de Boloh involucra al que los observa con curiosidad, logrando efectos hipnóticos que atrapan la atención de los visitantes del Centro de Arte Contemporáneo de Quito. Las imágenes son rodeadas de un aire sagrado, transgrediendo arquetipos al colocar puntos de fuga que señalan hacia lo místico y lo mítico: destruyendo la ilusión del universo.
Las obras anteriores resaltan que la reproducción, la comunicación y la estructura de circulación de la obra como tal se revela a partir de la actuación y de la relación que establece con el espectador. El público debe operar en el contexto de la obra o producción – sentirse afectado. No podemos negar que la publicidad, la televisión y sus estrategias de comunicación dominan el campo visual urbano y privado – ¿qué estrategias visuales en defensa a la publicad y a su mercantilismo produce el arte contemporáneo?
Los afiches de Lola R. Duchamp (Sandra Gonzalés) son ilustraciones de portadas de su revista “La Licuadora”, una publicación guayaquileña que se introduce en la acción de transformar los consumos culturales de los adolecentes, llevando artes visuales, música y literatura a un público muy joven: los estudiantes de secundaria.
Llama la atención en este trabajo la exploración de la artista por encontrar nuevos formatos, circuitos y públicos para emplazar y difundir su obra. Su proceso artístico involucra prácticas de gestión cultural, marketing, diseño y educación.
En respuesta a un momento político/educativo Oswaldo Terreros presenta el “Mural para la Universidad Superior de las Artes” una pintura al oleo de 190 x 300 cms instalado en el hall principal del Centro de Arte Contemporáneo; el tamaño de la pintura se impone como el cuadro principal del Antiguo Hospital Militar (y el único!). Observarlo desde el primer piso no da pista de la sátira implícita a la Universidad de las Artes – Proyecto liderado por el Ministerio de Cultura que ha causado grandes debates en el medio artístico.
Una pintura que describe un significado intrínseco que La Universidad Superior de las Artes transmite al artista. Este significado procede de los antecedentes y altercados que constituyen un ensamblaje de relaciones, acontecimientos, sensaciones e interpretaciones sobre el proceso de articulación de dicha institución.
PINO es el nombre de un emprendimiento ficticio. Sus propuestas abarcan investigaciones que circunscriben todos los aspectos de la vida cotidiana. Operaciones de representación que visualizan, a través de procedimientos vinculados a los procesos industriales de fabricación, transporte, distribución y comercialización de mercaderías; en su trabajo evidencian características particulares de los objetos o contextos a los cuales los trabajos se refieren.
PINO realizó una instalación en el patio cubierto del Centro de Arte Contemporáneo titulada “MONTAÑA” – la obra consistía en cercas construidas con tiras de madera, que en el horizonte cercado simulaban montañas: integrando la superficie visual y el espacio arquitectónico.
MONTAÑA no era vista como una obra más en el Centro de Arte Contemporáneo, de hecho, pasaba como una especie de seguridad adherida al patio, un corral interno, (…) como todo menos cómo una obra de arte…cuando Duchamp lleva la Fuente dentro del museo, no es solamente el status del objeto de arte lo que se somete a tensión, sino también el museo como un site, un lugar específico (Lash, 2006).
La intención del trabajo de PINO evoca las instalaciones del artista Daniel Buren en las que resalta que el lugar donde el trabajo artístico es emplazado, imprime y marca ese trabajo, sea cual sea.
PINO trabaja en dirección a redirigir la mirada del espectador hacia el CAC, en lugar de a la obra de arte.
Chico Togni (Itajuba, MG – Brasil, 1981) La instalación “Maquina I y Maquina II” emplazada en El Conteiner – galería de El Pobre Diablo, nos invita a reflexionar sobre la industria: con materiales fáciles de encontrar como cartón, tubos, periódico, madera, Chico Togni construye máquinas que al parecer en algún momento funcionaron. El reciclaje es sinónimo de transformación: el des/uso, lo inútil toma conciencia para cuestionar desde el lugar del arte la producción industrial con un tono melancólico. La instalación esta ubicada al final de la sala, con una luz tenue parece adherirse al espacio y casi camuflarse: desaparece frente a los ojos del espectador ocultando su valor artístico. (como una maquina olvidada).
Wallace V. Masuko (Brasil) presenta una vídeo instalación en el auditorio del Centro de Arte Contemporáneo de Quito:
El trabajo de Masuko se inscribe en el uso de la palabra y su visualidad – La onomatopeya es la imitación lingüística o representación de un sonido natural o de otro fenómeno acústico no discursivo – Plaf. ehh!! pum, CHUASSS – un lenguaje remplaza el otro: la palabra se hace sonido, imitando el sonido de aquello que describe. ?La vídeo instalación busca visualizar algo más que el sonido: la acción. ?La repetición de determinados fonemas en la edición del vídeo produce cierto efecto auditivo y hasta emotivo, que se complementan con el vacío y la oscuridad del auditorio.
COMIC SANS requiere de un usuario partícipe que salga con experiencias y cuestionamientos de la realidad, el circuito y la producción de arte contemporáneo, es una exhibición que no requiere de un relato curatorial, ya que sugiere experiencias que no se quedan en el objeto coleccionable o en la ilustración de teorías y textos. ?Hemos visto en estos ejemplos un poco azarosos un grupo de artistas que cuestionan desde su producción, el lugar de privilegio que el arte contemporáneo ocupa en la actualidad.
Sobre el trabajo en red me queda decir que no todo trabajo asociado es un trabajo en red, y que no todos los trabajos en conjunto son horizontales (…) debemos estudiar con mayor interés nuestros modelos de gestión, analizar compatibilidades, y dejar de lado intereses y agendas personales – ya que lo fundamental del trabajo en red es el comportamiento y el proceso – no los resultados.
Eduardo Carrera
Investigador de Arte – Centro de Arte Contemporáneo de Quito
Productor de Cómic Sans.
http://comicsansquito.blogspot.com/
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- (Mik Flood, Networks in the Culture Sector, IETM 1998).
Prensa:
Comic Sans, alternativa para los contenidos culturales – Diario El Comercio
http://www.elcomercio.com/cultura/Comic-Sans-alternativa-contenidos-culturales_0_771522992.html
