Ilustración: Adrián Bálseca

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Protesta de pueblo kichwa por mala producción nacional
Por: Magister- Lucila Lema Otavalo

¿Producción nacional sinónimo de qué? por Jaime Sánchez

Suntaxi por Manuel Kingman

Inauguración
martes 7 de septiembre de 2010, 19h30
Permanecerá abierta hasta el 24 de septiembre

El Conteiner, espacio para el arte de El Pobre Diablo, y La Selecta – Cooperativa Cultural, invitan el día martes 7 de septiembre de 2010 a las 19h30 a la inauguración de las muestras Hotpoint de Wendy Ribadeneira y Disculpará el desorden, de Oliver Echeverría.

Ribadeneira y Echeverría presentan sus trabajos más recientes. En ellos indagan por medio de la fotografía, espacios del mundo doméstico buscando establecer relaciones o historias . Sobre sus trabajos los artistas nos dicen lo siguiente:

Sobre Hotpoint, Wendy Ribadeneira nos dice:

“Esta serie explora las posibles relaciones y connotaciones que un espacio en particular podrían despertar en el espectador, abriendo una ventana a lo que puede o no ser dicho por un cuarto silencioso.”

Acerca de Disculpará el desorden, Oliver Echeverría: “El paso cotidiano por un lugar deja una huella, una suerte de impronta en los espacios y objetos que diaramente se vinculan con nuestra historia. Con el transcurso del tiempo estos espacios se convierten en escenarios privados que dan testimonio de nuestra existencia. Documentar un espacio privado a través de la fotografía, es una forma de indagar en lo personal y reconstruir un “lugar de los hechos” imaginario. Durante dos años he recorrido los hogares de familiares, amigos y personas que me han permitido compartir en aquellos espacios sus historias. Con cada fotografía descubrí una relación íntima con la memoria y con todos quienes me recibieron con un: “pase no más y disculpará el desorden”.

Sobre los artistas:

Wendy Ribadeneira V. (Quito, 1977). Artista visual y arquitecta. Tuvo su primera muestra individual en la galería Arte Actual FLACSO en julio del 2009. Ha participado de varias muestras colectivas. Actualmente se desempeña como docente en el área de fotografía de la USFQ y es jefe del área de Museografía del Museo de la Ciudad, Quito.

Oliver Echeverría (Quito, 1976). Fotógrafo ecuatoriano inició estudios y desertó tanto de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador, como de la Universidad San Francisco de Quito. Actualmente trabaja como fotógrafo independiente y en su obra documental y personal.

Originalmente en: http://ecuachaski.blogspot.com/

intervención Fotográfica: Manuel Kingman, hacer clic para ver serie completa.

No nos debería sorprender, pero en realidad nos sorprendió, que un canal de televisión considerado importante en nuestro país tenga un criterio de interculturalidad tan pobre: cuando en su noticiero estelar televistazo, en el segmento gente, la presentadora invitó a ver una muestra de la interculturalidad del país, con una nota sobre el estreno de la telenovela la taxista.

Con vergüenza vimos el reporte, que ya nos anunciaba lo que vendría luego, aunque era más la indignación por constatar que en un país, declarado plurinacional e intercultural, aún se produzca y se transmita, sin afectación, una serie insustancial, que irrespeta totalmente las culturas ancestrales del Ecuador.

Efectivamente, en el primer capítulo nos pudimos dar cuenta de que esta telenovela adolecía de los criterios básicos de una buena producción.

Si previamente se hubiera realizado una elemental investigación, se darían cuenta que la mayor población de migrantes en Guayaquil son del pueblo kichwa Puruhá y no del pueblo kichwa Otavalo como se lo muestra; quienes en su mayoría son comerciantes de su arte.

El lenguaje totalmente forzado, poco convincente, muestra con burla, el desfase lingüístico que tendría cualquier hablante de un idioma que no es suyo propio. Seguramente, el creativo Roberto Guerrero al hablar inglés también tiene esos desfases y sería una falta de respeto ridiculizarlo por eso.

Penoso, que quienes hayan ideado este producto televisivo no tengan conocimiento, que hoy en día muchos kichwa Otavalo, por su cultura de mindalaes (comerciantes ancestrales) además de hablar el kichwa, como idioma materno, hablan perfectamente no solo el español, sino también el inglés, italiano, portugués, etc.

La vestimenta no muestra a la mujer kichwa Otavalo en su integridad, hay gran confusión en el vestuario que se utiliza.

Estos detalles son una muestra más de que no se tomaron el tiempo necesario para hacer una indagación seria sobre el pueblo que querían presentar y peor aún sobre el contexto y los personajes.

Así mismo, el argumento poco creativo, nos cuenta la misma historia de cualquier telenovela venezolana o mexicana, pasada de moda, donde hay un “príncipe azul” y otros personajes estereotipados y descontextualizados.

Pero más indignación causo, la tonta defensa que hicieron sus realizadores, por los diversos criterios negativos que generó esta producción de Ecuavisa.

La protesta del pueblo kichwa Otavalo fue calificada por el libretista, Cristian Cortez, como “falta de autoestima”. Valga la oportunidad para decirle públicamente que los kichwa sabemos muy bien quienes somos, nos sentimos orgullosos de nuestra cultura y nos reafirmamos en nuestra actualidad.

No es necesario que profesionales poco responsables “digan” o “muestren” que somos gente de empuje, capaces y emprendedores, porque así lo hemos demostrado no solo a nivel nacional sino también internacional.

Quizá son otros los que tiene falta de autoestima, ya que recurren a la burlarla y a la desvalorización de los diferentes para reafirmar su superioridad y mostrar eso por televisión.

Acaso no hemos visto también, como en varios espacios noticiosos se tacha, con ligereza y poco análisis, de salvajes a comunidades kichwa que ejercen su derecho a la justicia. No es casual, entonces, que ahora se caricaturice vanamente a este mismo pueblo.

¿Acaso es esa la libertad de expresión que reclaman los medios?

Es justamente por ello que no podemos quedarnos callados frente a esta transmisión sucesiva de prejuicios e imaginarios que por generaciones hemos luchado por romper.

Qué papel han jugado y juegan la mayoría de los medios de comunicación masivo en este proceso, lamentablemente el mismo que ahora están haciendo; el de acrecentar el racismo y la intolerancia sin una noción real de plurinacionalidad e interculturalidad que aporte a una convivencia digna y en paz de todos los ecuatorianos.

Según la constitución, esto perfectamente podría acarrear responsabilidades por la violación de derechos individuales y colectivos, pues la norma constitucional establece el derecho tanto individual como colectivo a la integridad, que incluye no solo la integridad física, sino también psíquica y moral.

Igualmente el Art. 57 de los Derechos Colectivos de los Pueblos y Nacionalidades Indígenas garantizan el derecho a no ser objetos de racismo, ni de ninguna forma de discriminación.

Es decir, existen varias normas jurídicas nacionales y convenios intencionales que amparan a los pueblos ancestrales para defender legalmente sus derechos de así determinarlo con justo motivo.

Creemos que hay que hacer mucho más, para ganar audiencia en un horario triple A y, más aún, para aportar a la construcción de un estado plurinacionalidad desde la televisión o cualquier otro medio de comunicación, donde el rating no se logre pasando por encima del respeto y la dignidad de la gente.

Por Manuel Kingman, apropiación de fotografía promocional de la serie La Taxista.

Ilustración, Adrián Balseca, hacer click para ver en grande

Cuando intento ver la programación de la televisión nacional, mi intento termina casi siempre en el zapping , en una terrible desilusión y de vez en cuando en gran malestar. Últimamente se ha promocionado con toda la parafernalia que se supone debe tener las estrategias publicitarias a las nuevas “producciones nacionales” en dos canales distintos de televisión. Dos productos que tienen formato de telenovela pero que a la vez transitan por la “comedia” fácil.

Pero en primer lugar quisiera referirme a este término: “producción nacional”. Noventero (de los años noventa) como soy recuerdo que esta frase sonaba mucho más fuerte a finales de los ochenta e inicios de los noventa. La “producción nacional” se abría paso en estas épocas a puro pulso y casi siempre a pérdida. Los canales de televisión empezaban a apostarle a este tipo de productos que se intentaban generar casi empíricamente, refiriéndome a la parte técnica, y como se dice por el “amor a la camiseta”. De esta etapa haciendo memoria, salio una grupo de telenovelas muy parecidas a las realizadas en México y Venezuela que se trasmitían desde hace tiempo en las frecuencias nacionales, en donde el argumento era casi calcado entre ellas: la lucha de clases, el amor imposible, de pobre a millonario, el matrimonio y vivir feliz toda la vida, él es tu padre o tú hermano, etc. (Destacando algunas telenovelas que proponían una línea distinta, como “El Ángel de Piedra”, “Lola Calamidades” y una que otra bastante inocentes). Todos estos temas que no hacen más que respaldar una norma social, fueron repetidos dentro de la primera producción a la que me he referido.
Pero regresando a lo que me llevó a escribir estas líneas, recuerdo también que la comedia no estaba excluida de los productos nacionales. Y aunque en verdad eran bastante empíricas e inocentes en cuanto a su producción y el argumento no era de lo mejor, intentaban proponer situaciones que respondía a un contexto cultural y regional (El mismo “Michelena” que fue reclutado poco a poco por las televisoras, Dejémonos de Vainas y Mis adorables Entenados son un ejemplo claro de esto), y aunque terminaba en el chiste fácil, no agredía directamente a categorías de género, clase social, ni etnia, aunque en el último ejemplo ya se vislumbraba esta característica.
Aquí podría plantearse una pregunta ¿Por qué se calcan las estrategias argumentales de los supuestos éxitos televisivos extranjeros y se lo transforman en producciones nacionales?. Bueno tal vez la respuesta es obvia, debemos entender que los canales de televisión son empresas que buscan una retribución económica traducida en rating y espacios comerciales vendidos. Pero acaso se debe sacrificar ese potencial que tienen los medios masivos para proponer productos de calidad a cambio de lo económico, yo no estoy totalmente seguro. La reflexión debería estar dirigida a pensar que si acaso todo este equipo de productores, actores, guionistas, directores, etc., estaban y están en la capacidad de proponer algo distinto a lo acostumbrado. That is the question.
La realidad desde los noventa hasta nuestros días en relación a las comedias y telenovelas que nacen de pequeños sketch seudo-cómicos es la de una “producción nacional” transmitida por televisión que se apropio del chiste fácil, racista, vulgar, machista, sin sentido que respalda toda una tradición cultural ecuatoriana que se ha construido sobre estos preceptos: machismo, homofobia y racismo. “La Taxista” y “Mostro de Amor”, son un claro ejemplo de esto. De repente lo étnico se ha convertido en burla, lo indígena es sinónimo de poca o nula educación, de inocencia intelectual, de hablado rasgado y arrastrado mal interpretado y peor actuado. De repente todo lo indígena es caricaturizado. Lo Afro significa delincuente o sexualmente descontrolado, lo gay es escanercito y degradado, la mujer es vendida como la imagen perfecta de belleza que está dispuesta a satisfacer el apetito sexual de sus compañeros varones, respalda el estereotipo de belleza que supone debe tener una mujer (delgada y voluptuosa), y un “rol” de pasividad dentro de una familia o grupo de trabajo, o todo lo contrario, la fealdad al igual que lo indígena, lo étnico, lo gay y la clase social deprimida es caricaturizada convertida en chiste. No gratuitamente se da esta analogía entre la fealdad y lo étnico como burla. Esto al final del día va alimentar ese inconciente colectivo cargado de machismo y racismo.
Triste es observar la dirección que toman las nuevas y promocionadas “producciones nacionales”, que se irán filtrando en la educación de despistados televidentes que cada vez van aumentando las audiencias y dan luz verde para generar nuevos productos con las mismas características. ¿Qué ha cambiado desde hace dos décadas atrás?, pues el mal gusto se ha especializado junto a la técnica y oficio. Ahora estas producciones gozan de un grueso presupuesto y de un ejercito de seudo actores y actrices que llegan a la televisión sin más mérito que el de su aspecto físico o directo desde cualquier reality, pero eso es todo. No quiero desconfiar del talento y capacidad de los actores profesionales (que en su mayoría vienen del teatro) y todo el equipo técnico que solo están aprovechando las escasas propuestas con presupuesto que nacen desde la televisión.
Pero los dueños de los medios muestran una falta total de escrúpulos el momento de mentalizar y solventar ideas que no aportan en nada a la construcción de espacios de apertura y respeto hacia el otro, la diversidad, el librepensamiento, y refuerzan la idea hegemónica de lo normal y la norma que luego será repetido por las masivas audiencias perpetuando las discriminación a lo diferente y a lo supuestamente subordinado (la mujer, lo indígena, lo afro, etc.). Entonces qué significa “la producción nacional”, qué busca este tipo de productos, por qué alimentan todo estos estereotipos y alientan el irrespeto hacia el otro, tal vez yo no tenga la respuesta pero algo habrá que hacer, la pregunta es ¿qué?, se me ocurre que “apagar la tele” es un buen inicio.

Por X. Andrade
(Reseña de la exposición Usted esta aquí, Cartografías del Encuentro de Raul Ayala)

Agosto 20 de 2010. Me gusta pasar por las exhibiciones de Arte Actual en días previos a su inauguración oficial. Ello me da la oportunidad de ver distintos cortes en el proceso de su producción y montaje. Cuando tengo suerte encuentro la sala vacía, abandonada o con las ruinas futuras de lo que se tiene en mente. Cuando visito, dos semanas antes de su inauguración, la muestra pictórica que prepara Raul Ayala para septiembre 1 de los corrientes, encuentro a su autor en la compleja y meticulosa tarea de transcribir memorias fotográficas producidas domésticamente a una suerte de enorme mapa mundi de estados alterados.

Ayala trabaja, un viernes por la tarde, en medio de los fragmentos de lo que va creando. Inmediatamente nos sintonizamos. El está como a la caza de mis reacciones. Y, yo –que atraviezo uno de aquellos momentos ideales para enfrentarse al arte en vista de mi necesidad urgente por interesarme por algo para romper un día que, por lo demás, me ha resultado increíblemente triste y anodino– me encuentro de repente inmerso en el ojo de un huracán gráfico. Atrapado por el movimiento y las desfiguraciones. Confundido por la superposición de historias y por temporalidades entrecruzadas. Algunas de ellas, al haber sido pintadas en negro, rojo y amarillo, compiten, enfrascan, defraudan a una lectura plana, traicionan a una mirada simple. Y cuando uno se acerca para intentar atraparlas, y frenar el movimiento, ya se convirtieron en otras imágenes, igualmente inasibles.

Alucinaciones kinéticas, experimento. En mi intento por bajar del vuelo, ya con algunos minutos de ir y venir de estos cuadros –suertes de grafiti estilo WK con desfiguraciones surrealistas a lo George Febres– otro tipo de orden emerge: Mi pana está interesado en el tema de la migración. Para ello, ha entrevistado a sus propios familiares en los círculos íntimos que han creado en Italia, Canadá y Nueva York. Los flujos globales y el tema de los migrantes ecuatorianos a escala mundial son, por supuesto, temas reiterativos del arte contemporáneo. La obra de Ayala, no obstante, crea una forma de representación que escapa totalmente al cliché realista testimonial, favorecido en algunas de sus versiones por parte de artistas locales, y ciertamente dominante en las representaciones mediáticas. El resultado me conmueve íntimamente, no sólo en los dispositivos de mi mirada. Intimamente, en mis propias memorias de desplazamientos.

En la galería hay dos paredes larguísimas. A la izquierda, se encuentra el paredón de la experiencia italiana: silueteadas, todas ellas en blanco y negro, las fotografías de escenas domésticas que han servido de referente se han convertido en una gran ola sucesiva de imágenes humanas que se anulan a sí mismas y se confunden por la vorágine de rastros superpuestos. Un flujo que, por el carácter de sus fragmentos, se torna en una mancha. Personas, movimientos, visitas, conversaciones confluyen a distintos ritmos. Nada queda de “ecuatoriano” en medio de este paisaje de contrastes monocromáticos. Blanco y negro, sabia elección para la crudeza laboral y racial del país de la videocracia y la esclavitud modernas.

La pared de la derecha, destinada a los inmigrantes en Canadá, resemblan más a cuadros de galería, aunque, nuevamente, en el soporte propio de la pared. Una serie de escenas individuales la dominan, en cada una de ellas el proceso de transfiguración de la memoria es diseccionado más pausadamente. Pero solo aparentemente puesto que el conflicto y el movimiento otoñal que generan el colapso del negro, el amarillo y el rojo sobre un otrora inmaculado blanco resultan en una competencia incesante para entender los intentos de escape de los sujetos entre sus múltiples sombras y ánimas. Su huída, el retorno siempre fragmentario o momentáneo de sus voces a través de chats o teléfonos, la distancia que desfigura los recuerdos de Ayala sobre sus parientes, la memoria de conversaciones que se encuentran solamente en las intersecciones de los cuerpos. Tiempos entrecruzados. Esquinas que atrapan conversaciones incoherentes. Puntos referenciales en el mapa de un paisaje de desencuentros.

Ayala me explica, durante mi visita guiada, que todo es al revés a lo que yo ahora, posteriormente, entiendo: a la izquierda es Canadá, a la derecha Italia, y, al fondo Nueva York (que al momento de este recuento todavía está por montarse). Mi relectura –explícitamente errónea– por lo tanto, debe ser vista como un efecto secundario del huracán de estados alterados en el que me ví envuelto. Como fuere, quedo con la pura gana que me hará revisitar la muestra en uno de aquellos días en los que ya nadie la atienda. Con la necesidad de determe, recostarme, y permanecer silencioso para enfrentarme nuevamente al impacto de estas paredes que hablan, que se agitan, que huyen, seres buscando una arquitectura menos claustrofóbica. Inmerso como en una suerte de gran sarcófago dedicado a quienes están lejos por tratar de estar cerca. Como esperando mi propia muerte, la de mis familiares migrantes, la de mi memoria pasada en lugares lejanos. Horizontal, momento de mi encuentro cartográfico

Sintrópico es un proyecto de intercambio cultural mentalizado por los artistas Leopoldo Ponce y Beatriz Nogueira.

La propuesta, nacida en Brasil, busca generar un diálogo entre artistas latinoamericanos a través de residencias cortas. Durante el intercambio, los participantes de “Sintrópico” desarrollan su obra in situ. La premisa es que el artista enriquezca su trabajo a través del contacto de su universo cultural con el de otro país y, a partir de ahí, se plantee los mecanismos para producir su obra.

La primera muestra que se exhibe en El Conteiner, espacio para el arte de El Pobre Diablo, es el inicio de este proceso. En ella se recogen dos obras: Entre Paredes de Bia Nogueira (Brasil) e Immigrant Song de Leo Ponce (Ecuador).

En su obra Entre Paredes, Bia Nogueira continúa con su trabajo de los últimos dos años en Sao Paulo. Esta vez, su proyecto se nutre de las impresiones y vivencias de la artista en su estadía en Quito. La segunda propuesta, Immigrant Song, de Leopoldo Ponce, es un ensamblaje con los objetos que el artista ha coleccionado y encontrado en sus viajes por el mundo. En los dos casos, los resultados de las obras no estuvieron programados.

A través de “Sintrópico”, Ponce y Nogueira hacen una invitación a los actores culturales de cada país para dinamizar el proyecto y, en el futuro, seguir generando puentes entre los artistas de Latinoamérica.

Texto de: Patricia Endara.

Cronograma:
Miércoles 21 de Julio: Inicio del proceso en Construcción, talleres abiertos.
Martes 3 de Agosto: 18H30 Conversatorio con Ana Rodriguez (Curadora Ecuatoriana). Abierto para todos los interesados.
Martes 3 de Agosto: 19H30 Apertura de la Exposición.
La Muestra permanecerá abierta hasta el viernes 20 de Agosto 2010.
En El Conteiner – El Pobre Diablo
Isabel la Católica E12-06 y Galavis esq.

Accede a los blogs de los artistas pichando sobre los links. Bia Nogueira y Leopoldo Ponce.
Mira un avance del proceso de Entre paredes e Immigrant Song:

Esta charla fue grabada durante el FORO VISUAL 16, realizado en FLACSO, por el programa de Antropología Visual el día Martes 13 de julio de 2010.

La Selecta – Cooperativa Cultural

Realizado por motivo del evento:

Juntos en la diversidad, Día internacional de la lucha contra la discriminación racial. Marzo 21, 2010.

Agradecimientos:

Mayor Soria, Departamento de Logística de la Unidad de Vigilancia Centro Occidente de la Policía Nacional del Ecuador.

VISEGPRO. CIA LTDA

Paúl Rosero

Pablo Valencia

Susana Anda

Música:

Stickstock. Susana Anda. 2010.

Katary – Identidad. Los NIN. 2009.

Tomás Ochoa pone en primer término como algo candente que no es la anécdota o el detalle pintoresco sino la violencia colonial. La inquietante extrañeza a la que remiten las obras de este artista tiene que ver –por emplear meditaciones freudianas–, con algo que ha sido reprimido y ha retornado; pero no se trata del rastro de un complejo infantil ni tampoco asistimos a un proceso de sublimación sino que, con gran vigor y honestidad, el artista plantea una arqueología del semblante del otro a partir de la mirada dominante.

En algunos de sus extraordinarios vídeos emprende una arqueología que es tanto la de lo industrial abandonado cuanto la de la fuerza de trabajo alienada. En el tríptico de Sad Co – The Blind Castle (2003), un impactante vídeo-instalación, dispone el espacio ruinoso de la industrialización, la deriva por él de los mineros actuales y los testimonios de los que trabajaron allí. Del testimonio empático a la reconstrucción de una zona que tiene algo de espectral. En todo momento el cuerpo de los mineros desmantela cualquier poética “romántica” o regresivamente nostálgica. Tomás Ochoa muestra esos cuerpos embarrados por el lodo de las minas para aproximarnos a un precario anhelo de riqueza.

En la serie de los cuadros de pólvora (Cineraria, 2010), lo que deconstruye es la mirada del colonizador que fotografía, por ejemplo, a una dama transportada en andas, como si fuera una virgen, a puro “lomo de indio”. Ochoa se apropia o confisca las fotografías de la gerencia de la mina, desplegando un ejercicio alegórico que guarda relaciones, evidentemente, con la estilística apropiacionista que se desarrolló en los años ochenta y que es uno de los elementos vertebrales del postmodernismo.

De la instantánea, el artista rescata la idea de “fogonazo”, en un singular performance pictórico que pone en primer término la idea de peligro o la alusión a un imaginario explosivo. Se trata, al mismo tiempo, de una historia candente y de un rastro de ceniza, de algo oculto y, valga la paradoja, revelador. Por medio de sus videos y pinturas híbridas, Ochoa da cuenta de lo que no se ha contado en Ecuador, de la explotación de sus recursos y riquezas por parte de los americanos. No es ciertamente una historia de gloria sino de ruina o, mejor, se trata de un conjunto de historias de seres anónimos. Si para el capataz, el gerente o los propietarios, los trabajadores no eran nada o tan sólo eran el “decorado” de su éxito, Tomás Ochoa los convierte en “protagonistas”, amplia sus cuerpos y sus rostros, despliega un proceso de subjetivación del excluido.

Fernando Castro Flórez

Madrid, marzo, 2010.

“CINERARIA”

En esta serie planteo un ejercicio alegórico, a partir de fotografías de archivo, tomadas a principios del siglo XX en el enclave minero de Portovelo- Ecuador, en el que la compañía norteamericana S.A.D.C.O explotó sus minas de oro. El paradigma de la obra alegórica –como lo plantea Craig Owens– es el palimpsesto: un texto que se lee a través de otro. El alegorista no inventa imágenes, las confisca. No se trata de reestablecer un significado original que pudiera haberse perdido, más bien de añadir un nuevo sentido a la imagen y suplantarla. Dichas fotografías –tomadas por el gerente de la compañía de ese entonces– han sido ampliadas a grandes dimensiones, sustituyendo el grano fotográfico –el efecto de la luz sobre las partículas de los haluros de plata– por granos de pólvora, la cual al ser quemada deja una impronta de fuego y cenizas sobre la superficie del nuevo soporte. Con esto, intento pervertir los originales y plantear una expansión de campo de la fotografía hacia la pintura y el performance.

Los textos que acompañan a estas imágenes corresponden a los testimonios de cuatro mineros centenarios que un día trabajaron para la S.A.D.C.O. y son un intento por restituir una memoria colectiva contrastándola con una iconografía que forma parte del relato colonial

La acción de “quemar” las imágenes podría tener una función catártica. Sin embargo, esta purga de fuego conlleva una paradoja: Desde una perspectiva psicoanalítica este acto simbólico implicaría la eliminación de recuerdos perturbadores pero mi acción supone una exacerbación de la memoria porque las fotos quemadas perviven y se redimensionan por la acción del fuego. A lo largo de la historia de la fotografía lo determinante siempre ha sido la mirada. En esta serie las imágenes confiscadas proceden de una mirada colonial que al ser incineradas no desaparecen, por el contrario se recrudecen, de modo que se acentúe la violencia que está implícita en esa mirada, aquello que me hiere. Una paradoja que no se resuelve, tal como ocurre con la contradicción inherente que existe entre los signos e imágenes grabados en una urna cineraria y las cenizas que contiene.

Tomás Ochoa